CN-30: Los 30 clásicos 'vintage' más recordados que vimos por Cartoon Network

Hace 30 años; el mejor lugar para cartoons llegó por primera vez a Latinoamérica, y desde entonces la televisión paga de la región no volvió a ser la misma. ¡Bienvenidos sean tódos a CN-30! En ésta pequeña sección conmemorativa celebraremos los 30 años de Cartoon Network Latinoamérica. Cada fín de semana de éste mes de abril publicaremos una columna conmemorativa en la que celebraremos a 30 de las producciones que más han marcado de una u otra forma la historia del canal y a sus televidentes, con cada entrega abarcando una categoría diferente. Cada puesto fué elegido con cuidado, siempre tomando en cuenta su presencia dentro del canal, su influencia y popularidad, la variedad dentro de cada lista y que tan arraigada está cada producción en la historia de la señal latinoamericana. También, la posición de cada serie en cada lista fue establecida en base a su fecha de estreno y no a su calidad, ésto para asegurar una división y distribución justa, y ya quedará a juicio de cada lector el ver cuáles son las mejores. Ya sin más que agregar, empecemos con ésta celebración de una buena vez...

Y que mejor manera de empezar que desde el principio. Cuándo el canal empezó transmisiones por allá en 1993, no era precisamente un canal caracterizado por los últimos éxitos de la televisión animada. Por el contrario, era un canal de únicamente clásicos que ya llevaban años o hasta décadas de haber finalizado. Ésto debido a que la creación del canal se debió principalmente a que la mayoría de éstos clásicos se habían vuelto propiedad de Turner Entertainment (creadora del canal) por vía de adquisiciones, con la breve compra de MGM teniendo lugar en 1986 (que sólo duró un mes, pero Turner conservaría las IPs y librería que el estudio había creado hasta la fecha) y de Hanna-Barbera en 1990. Con tanta animación encíma, su fundador Ted Turner sencillamente dijo "es tanta animación que podemos hacer un canal de 24 horas con ésto". Y de ahí que "El Cartoon Network" (cómo se le conoció originalmente) exista hoy día, empezando emisiones en 1992 en los Estados Unidos y en abril de 1993 en América Latina. Es por éso que la primera entrega de éste especial se la quiero dedicar a aquellos clásicos inolvidables que pavimentaron el camino para las grandes producciones de hoy y que seguramente conocimos gracias al mejor lugar para cartoons. Cómo notarán, no tódos los clásicos presentes son propiedad de Warner Bros. Discovery, e incluso algunos se estrenaron por el canal bastante después de terminar su etapa de "canal de clásicos", pero como dije, la idea es celebrar su paso por el canal y lo curioso o importante de su presencia. La única condición para que los clásicos presentes estén en ésta lista es que hayan finalizado su producción antes de entrar Cartoon Network al aire. Ahora sí, empecemos éste viaje de los recuerdos.

Looney Tunes/Fantasías Animadas de Ayer y Hoy

¿Que mejor manera de empezar ésta lista que con los reyes del humor animado? Empezando en 1930, los Looney Tunes y las Fantasías Animadas de Ayer y Hoy llegaron a los cines estadounidenses de manera sorpresivamente floja (y digo sorpresivamente debido a su actual impacto). En un inicio, fueron sólo un intento de Warner Bros. de tratar de capitalizar el éxito que Walt Disney y otros estaban teniendo en el mercado de los cortos animados para la pantalla grande, y no pasaban de tratar de imitar burdamente el estilo de otros estudios. Sin embargo, no fué si no hasta que directores cómo Bob Clampett y Tex Avery comenzaron a deshinibirse y agregar mucha más irreverencia, rupturas de la cuarta pared, sátira, absurdismo y parodias de cosas populares de la época que los cortos comenzaron a agarrar fuerza, lo que con el ascenso de más directores creativos cómo Chuck Jones, Friz Freleng y Robert McKimson y de personajes icónicos cómo Porky, el Pato Lucas, Silvestre y Piolín, Speedy González, el Coyote y el Correcaminos, Elmer Gruñón, Sam Bigotes y Bugs Bunny, terminó por hacer que los Looney Tunes se convirtieran en uno de los mayores éxitos del cine animado. A día de hoy, cortos cómo Duck Amuck, One Froggy Evening, Duck Dodgers en el Siglo 24 1/2, Porky in Wackyland y What's Opera Doc? no son sólo algunos de los mejores cortos de los Looney Tunes, también están entre los grandes clásicos del cine animado y de humor de tódos los tiempos. Sencillamente, ningún personaje de ésta tropa animada necesita presentación, ya que tódos sabemos sus personalidades y dinámicas entre sí.

Los Looney Tunes además juegan un papel importante en la historia de Cartoon Network, ya que no sólo fueron (junto con Tom y Jerry) de los clásicos más vistos y de mayor trayectoria en transmisión en la historia del canal, también fueron de hecho quiénes técnicamente inauguraron la señal estadounidense en primer lugar, con el corto Rhapsody Rabbit de Bugs Bunny siendo la primera animación en verse a través de las pantallas de Cartoon Network. Como dato adicional, en Latinoamérica los cortos se emitieron durante bastante tiempo bajo el el título de "Bugs Bunny y el Pato Lucas" (con un intro y cierre que remarcaba la eterna rivalidad entre ambos), muy a pesar de que veíamos también otros cortos del resto de la pandilla lunática. De cualquier modo, los Looney Tunes son y serán siempre de los grandes clásicos que tuvimos el privilegio de ver por el treiteañero canal.

Popeye, el Marino de los Hermanos Fleischer

La historia de Popeye es muy particular. Creado originalmente en 1929 por Elzie Segar para ser un personaje secundario en su tira cómica Thimble Theater, en poco tiempo se volvió el personaje más popular de la tira, volviéndose el personaje principal y el novio de la antigua protagonista; Oliva. Les menciono que la tira ya llevaba en circulación desde 1919... Por supuesto, ésta nueva popularidad no pasó desapercibida, con los mayores rivales de Disney de la época, Fleischer Studios, adaptando rápidamente al personaje a la pantalla grande mediante cortos animados. El resultado fue fenomenal, creando así de las primeras animaciones de acción jamás hechas (aunque con un enfoque humorístico). La popularidad de Popeye creció a tal punto que incluso llegó a superar al fenómeno entonces imbatible de Mickey Mouse.

Las aventuras de Popeye se caracterizaban principalmente por su eterna rivalidad con Bluto, otro marinero mucho más corpulento que siempre peleaba contra nuestro héroe por el afecto de Oliva, aunque el buén Popeye terminaba por ganar gracias a su consumo de espinacas, las cuáles volvían al ya de por sí fuerte marinero en un imparable ejército de uno. Otros personajes icónicos incluyen al fanático de las hamburguesas Pilón y a Poopdeck Pappy, el padre de nuestro ojo saltón. Las mejores entregas de ésta serie de cortos serían sin dudas la trilogía "Popeye Color Features": Popeye conoce a Simbad, Popeye conoce a Alí Babá y Aladín y su Lámpara Maravillosa (ésta última una adaptación del cuento titular pero con Popeye), los cuáles son considerados cómo tres de los mejores cortos animados de todos los tiempos por su humor, animación y avances técnicos importantes. También, Popeye es fácilmente uno de los personajes ficticios más influyentes de tódos los tiempos. Con decirles que sin él no tendríamos a Superman, Astro Boy, Mortadelo y Filemón, Súper Mario, One Piece ni Bob Esponja, tódas obras que llevan encíma una importante influencia de parte de unos de los personajes más fuertes de las historietas y la animación.

Tom y Jerry

Tal vez la rivalidad animada más conocida de tódos los tiempos. Tom y Jerry son sin duda un punto y aparte dentro de la historia de la animación, llevando a un nuevo nivel la dinámica del gato y el ratón y volviéndola 100% más caótica y violenta. Su humor físico ha envejecido de manera perfecta y es fácilmente disfrutable por tódo el mundo, especialmente por su notable falta de diálogos en la mayoría de sus cortos. Su debut en los cines en 1940 sin duda fué un punto de inflexión en la carrera de sus creadores; William Hanna y Joseph Barbera, quiénes con las desventuras de Tomás y Jerry lograron cosechar nada menos que siete premios Óscar, volviéndose la serie de cortos cinematográficos más premiada en la historia de la Academia (empatando con las Silly Symphonies de Walt Disney). Algunos de los cortos galardonados incluyen a The Cat Concerto, Johann Mouse y The Two Mouseketeers.

Algo a destacar de los cortos es que su narrativa siempre tiende a ser muy kármica, ésto debido a que quién generalmente empieza la pelea es quién la pierde. Obviamente, Tom tiende a ser la mayor parte del tiempo el mal parado por su naturaleza abusiva, pero cuándo es Jerry el que tira la primera piedra, pueden asegurar que será él el gran perdedor de la historia. Aunque no necesariamente sus desventuras se basan en darse palizas constantes, ya que en ocasiones también los vemos siendo buenos amigos lidiando con un problema en común, como un oso bailarín, un bebé perdido por la negligencia de su niñera y hasta con el corazón roto de uno de los dos. En cualquier caso, lo cierto es que su dinámica varía tanto cómo el resultado de cada golpe que reciben. Lo que también es cierto es que fueron junto con los Looney Tunes el clásico que más tiempo se mantuvo al aire en Cartoon Network, abarcando ambas series de cortos más de 20 años ininterrumpidos, lo que sumado a sus altas audiencias los vuelven partes importantes en la historia del canal.

Superman de los Hermanos Fleischer

Entonces, Joe Shuster y Jerry Siegel están viendo cuál puede ser su primera gran historieta. Y entonces ven los cortos de los Hermanos Fleischer de Popeye y quedan fascinados por su nivel de acción y dinamismo. Y entonces se preguntan "¿y si éste nivel de acción y las peleas tuvieran un enfoque más serio y menor humorístico?" Es ahí que surge la raíz de su famoso Hombre de Acero. Superman se volvió un súper éxito una vez vió la luz en el mítico Action Comics #1 y por supuesto, con éso vinieron muchos productos derivados. Y al igual que con Popeye, los Fleischer notaron el éxito del primer gran súper héroe estadounidense y, completando el ciclo creativo, se hicieron con los derechos para llevar al cine las aventuras de Clark Kent en forma de cortos animados. Aunque sólo se produjeron 17 cortos, éstos fueron inmediatamente aclamados por la crítica y los fanáticos, volviéndose una de las adaptaciones más memorables del Hombre de Acero. Lamentablemente, también fué la perdición de Fleischer Studios, quiénes desangraron tanto dinero para llevar a cabo los cortos que quedaron irremediablemente endeudados, lo que resultó en la absorción del estudio por parte de Paramount Pictures y su renombre a Famous Studios, con los hermanos siendo despedidos en el proceso.

Algo curioso de éstos cortos es que al haberse realizado temprano en la existencia de Superman, no vemos a sus ya clásicos enemigos como Lex Luthor, Brainiac ni Darkseid. Sin embargo, ésto no hace éstas aventuras animadas menos interesantes, y por el contrario, nos da muestra de las historias más "aterrizadas" del personaje. La influencia de ésta versión del héroe de DC se ha visto reflejada en varios trabajos posteriores, particularmente en dos de los trabajos de Hayao Miyazaki: "Farewell, My Beloved Lupin" (último episodio de Lupin III: Parte II) y Laputa: El Castillo en el Cielo, ambas fuertemente inspiradas en el corto "The Mechanical Monsters", y por supuesto, Bruce Timm también ha citado éstos cortos como principal inspiración detrás de Batman: La Serie Animada de 1992. Y claro, éstos cortos también nos mostraron una de las versiones más activas y aventureras de Luisa Lane. ¿Hay algo que éstos cortos no hicieran bien?

Droopy y los cortos de Tex Avery

Cuándo hablamos de los personajes animados de la Metro-Goldwyn-Mayer, los primeros que saltan son Tom y Jerry, pero junto con éllos hubieron otros tantos que igualmente se ganaron a pulso la añoranza del público. Cuándo Tex Avery se mudó de WB a MGM, sería Droopy uno de ésos añorados personajes. Caracterizado por un gesto perpetuo de estoicidad mezclada con tristeza o desinterés, su personalidad no podía ser tódo lo contrario, al menos cuándo se le provocaba. Droopy era capaz de enojarse tanto que podía darle una paliza a sus rivales, o estár en un estado de alegría eufórica, pero siempre manteniendo el mismo gesto o su voz apagada. Fué ésa personalidad y el hecho de que se las arreglaba para defenderse sólo (o por accidente) lo que lo hicieron un personaje tan memorable. También ayuda que quiénes le procuraban un mal o trataban de hacerle daño salían mal parados por su propia ineptitud. En cualquier caso, se volvió tóda una estrella y tal vez el personaje más recordado de Avery.

Pero éso no es tódo, ya que además de Droopy, Tex Avery también realizó varios otros cortos individuales que hicieron reír hasta los jadeos a las audiencias, entre los que podemos destacar los cortos de Red y el Lobo, dúo que apareció por primera vez en el legendario corto Red Hot Riding Hood, una parodia de la Caperucita Roja dónde el Lobo va a un club nocturno dónde queda hechizado por los encantos de la voluptuosa cantante y bailarina Red, desatando desde su asiento una avalancha de piropos y elogios que han quedado para la posteridad. Eventualmente el Lobo se volvió junto con el perro amarillo Spike (sin relación a su tocayo de Tom y Jerry) el principal antagonista de nuestro perro de cara derretida, sólo para quedar siempre peor que cómo empezó. Volviendo con Droopy, su importancia para Cartoon Network es mayor de lo que la gente creería, ya que si bién, es verdad que fué un corto de Bugs Bunny lo primero que se transmitió oficialmente por la señal estadounidense, sería Droopy quién introduciría a los telespectadores a la programación del canal con su primer especial: Droopy's Guide to The Cartoon Network, siendo de hecho donde se presentó Rhapsody Rabbit cómo primera animación de CN. En otras palabras, Droopy inauguró el canal, lo que en retrospectiva es algo sumamente apropiado.

El Show del Pájaro Loco

Cuándo la televisión se volvió el medio de comunicación más popular en los Estados Unidos de los años 50, la animación pasó por una transformación. Algunos estudios cerraron, y otros se adaptaron. Uno de los estudios que se adaptó al nuevo medio fué Walter Lantz Studios de la Universal, quiénes decidieron adaptar a sus personajes de la pantalla grande a la pantalla chica. Fué así que nació El Show del Pájaro Loco, el cuál (copiándole un poco la tarea a Walt Disney) era presentado por el mismo Walter Lantz, quién nos introducía a los distintos cortos cinematográficos que su estudio había realizado, más uno que otro realizado para el programa. Por supuesto, la estrella principal era sin duda el titular Pájaro Loco, o Loquillo cómo lo conocemos actualmente. Haciendo justicia a su nombre, Loquillo sencillamente se las arregla para volver todavía más locos a sus rivales, quiénes a veces son sujetos realmente maliciosos como Pablo Morsa o Buzz Buzzard, o a veces son sólo pobres transeúntes que tienen la mala suerte de cruzarse con éste pájaro carpintero hiperactivo.

Pero Loquillo no era la única estrella, ya que el estudio de Lantz creó con los años más personajes. Lo que Droopy era para Tom y Jerry, sin duda Chilly Willy lo era para el Pájaro Loco. El buen Willy era un pingüinito mudo que la mayor parte del tiempo sólo trata de mantenerse caliente y alimentado en el cruel frío del Polo Sur y que con su ingenio se salía de los problemas en los que lo querían meter sujetos que se creían más inteligentes. Por otro lado teníamos a Andy Panda, un niño panda que se caracterizaba por ser travieso y darle dolores de cabeza a su padre. Si bién, tal vez no tan populares cómo los personajes de otros estudios, los cortos de Walter Lantz rebosaban de calidad, por lo que éste programa se mantuvo como un buén éxito que mantuvo en el ideario colectivo a sus personajes, especialmente a Loquillo. Ahora, es necesario recalcar que éste programa llegó a las pantallas de Cartoon Network Latinoamérica a mediados de los 2000s, bastante después de que el canal había trascendido de los clásicos, habiéndose emitido previamente por Fox Kids Latinoamérica por las noches. Afortunadamente, CN fué estratégica al situarla dentro de la programación y lo juntó con el resto de sus programas clásicos que entonces seguían en emisión y ahí se mantuvo hasta bién entrados los 2010s. ¿Que locura, no?

El Show de Huckleberry Hound

Cómo ya mencioné, el salto del cine a la TV afectó a la industria de la animación en distintos niveles. Uno de éllos fué el cierre de varios estudios, incluido el de la MGM. Afortunadamente, William Hanna y Joseph Barbera fueron astutos y en lugar de rendirse y odiar al nuevo medio, decidieron fundar su propio estudio: Hanna-Barbera Productions, contratando en el proceso a tódos sus compañer@s que se habían quedado sin trabajo. Sí bién, no fué su primer programa, El Show de Huckleberry Hound sí fué el que los catapultó al estrellato. Éste programa de variedades y sketches (el primero hecho para los sábados por la mañana) era presentado por el titular Huckleberry Hound, un relajado perro antropómorfo azul de acento sureño estadounidense (o norteño mexicano) en cuyos propios segmentos se caracterizaba por siempre tratar de obtener un nuevo trabajo y lidiar con los problemas de cualquier novato. Además de sus propias desventuras,  la serie también relataba las de Pixie, Dixie y el Sr. Jinx, un par de ratones y un gato de relativa elegancia (éste último de acento andaluz) que seguían la misma dinámica que sus hermanos mayores, Tom y Jerry, pero que debido a las limitantes de la animación televisiva de la época, su rivalidad se basaba más en el humor verbal y situacional que físico.

Finalmente tenemos al Oso Yogui, quién se volvió tan popular que poco después obtuvo su propio programa, del cuál hablaremos más abajo. En cualquier caso, el programa se volvió tan grande y popular que hizo acreedores del Emmy a sus creadores, primer programa animado en lograr tal hazaña. Cabe destacar que ésta fué la primera animación pensada específicamente para un público familiar, ya que hasta entonces casi tódas las animaciones estaban pensadas para el público adulto (con las limitantes de la época). Sin duda Huckleberry Hound y compañía le abrieron el paso hacía la televisión a tóda la industria y a sus creadores, quiénes lo aprovecharían hasta el último momento, tanto para bién cómo para mal. Y por cierto, ¿cómo olvidar la jocosa canción de Huckleberry? "Ay que lindo, ay que lindo, ¡AY que lindo es mi maizal..!"

Las Aventuras de Rocky y Bullwinkle y Amigos

Hanna-Barbera no fué el único estudio que aprovechó el salto a la televisión. Jay Ward fué otra de las mentes creativas que hizo el salto con mucha efectividad. Tomando un formato similar al de Huckleberry Hound, Las Aventuras de Rocky y Bullwinkle y Amigos fué uno de los éxitos más aclamados de su tiempo, ya que sus guiones ingeniosos, humor irreverente y absurdo y personajes memorables hicieron que se volviera uno de los primero éxitos animados emitidos en el famoso primetime de las noches, compitiendo directamente contra Walt Disney y su Disneylandia... ¡y superándolo en ocasiones en audiencias! También un programa de variedades, los segmentos variaban según el episodio, siendo el principal el de Rocky y Bullwinkle, una intrépida ardilla voladora y un alce de pocas luces respectivamente, los cuáles además de presentar el programa, tenían aventuras en las que resolvían misterios en los cuáles tenían que detener los diabólicos planes de los nefastos (tanto por maldad cómo ineficiencia) Boris y Natasha, un matrimonio de malhechores que trabajaban al servicio del Amadísimo Líder, una gracia de dictador sorprendentemente benevolente con sus ineptos secuaces.

Pero ésos no erán los únicos segmentos, ya que también teníamos al Sr. Peabody y lo Improbable de la Historia, donde el titular perro con anteojos hacía gala de su inteligencia ante su joven pupilo Sherman, a quién llevaba en viajes en el tiempo para presenciar eventos y personajes históricos importantes (y comprobar que la historia la escriben con un filtro de grandiosidad excesivo). Por otro lado teníamos a Dudley Bueno de la Policía Montada, un policía canadiense que tenía de correcto y firme lo que también de torpe y despistado. Finalmente tenemos a los Cuentos de Hadas Fracturados, dónde cualquiera de nuestros héroes nos contaban un cuento distinto aderezado con la peculiar irreverencia del programa. Considerada una de las mejores series animadas de tódos los tiempos, la serie ha sido citada cómo una gran inspiración para varios artistas, entre quiénes podemos mencionar a Matt Groening (creador de Los Simpson, Futurama y (Des)encanto) y Joe Murray (creador de La Vida Moderna de Rocko, El Campamento de Lazlo y ¡Vamos Luna!). Nada mal para una ardilla voladora y un alce.

El Show de Tiro Loco McGraw

Otro programa de variedades dónde nacieron más personajes icónicos, en ésta ocasión liderados por las desventuras de Tiro Loco McGraw, un caballo blanco pistolero de acento gringo que hacía las de sheriff en un estereotípico pueblo del viejo oeste, donde su propia arrogancia era su mayor enemigo, ya que su autoridad le nublaba el juicio y tomaba decisiones precipitadas que lo llevaban a bochornosas y dolorosas situaciones. Afortunadamente para él, contaba siempre con la compañía de un patiño mucho más sensato, el burrito mexicano Pepe Trueno, quién era el que le llevaba el cable a tierra, y si fallaba en el intento, resolvía el problema él mismo (volviéndose así una de las primeras representaciones positivas de la latinidad en un programa estadounidense). En ocasiones, Tiro Loco asumía la identidad del Cabazorro, con la cuál adquiría un acento español y su arma era nada menos que una guitarra, con la cuál noqueaba a los bandidos (en una clara parodia al Zorro).

Pero ése no era el único segmento, ya que además de Tiro Loco, el programa contaba con los segmentos de Canuto y Canito, padre e hijo que tenían que lidiar con las desventuras que tódo padre e hijo deben enfrentar en un mundo cómo el de Hanna-Barbera, y los detectives Súper Fisgón y Despistado, quiénes cómo buenos detectives, resuelven todo misterio que se les ponga en frente, aunque con ésos nombres ya sabemos que no serán los más eficientes. En fín, tres grupos de personajes que se mantienen en la memoria colectiva por ser precisamente imperfectos, y una muestra de que los años 60s fué la mejor época de Hanna-Barbera, aunque lo mejor estaba por llegar.

Los Picapiedra

¡Yabba-Dabba-Doo! Fácilmente una de las series más emblemáticas de Hanna-Barbera, Los Picapiedra es tódo un hito cultural que se mantuvo vigente durante varios años. La serie, una sátira de los años 60s ambientada en la Edad de Piedra, nos muestra las vivencias de Pedro Picapiedra, trabajador de una cantera de la ciudad de Piedradura, quién junto a su mejor amigo Pablo Mármol (cuya profesión jamás fué mencionada en la serie) lidian con diversas vivencias de la clase media de la época entremezclados con problemas de su época histórica, cómo lo son el trabajo, sus respectivos matrimonios con Vilma y Betty, mantener a sus mascotas, asistir a la logia de los Búfalos Mojados, jugar bolos y, eventualmente; ser padres (biológico en el caso de Pedro y adoptivo en el caso de Pablo). Por supuesto, al ser cavernícolas, también lidian con dinosaurios sarcásticos, vehículos primitivos cómo los troncomóviles, artículos como los cuernófonos, entre otras cosas. Ah, y en las últimas temporadas se hacen amigos de un pequeño extraterrestre volador llamado Gazoo, por alguna razón.

Los Picapiedra fué la serie animada más exitosa de tódos los tiempos durante varias décadas, ésto en gran parte debido al carisma de sus personajes y situaciones con las que varias personas podían identificarse, tal vez por ser de las pocas series que prefería reflejar a la clase media y no tanto la clase alta que otras comedias de la época preferían retratar. La serie también obtuvo un largometraje para los cines titulado El Súper Agente Picapiedra, dónde Pedro es confundido con un agente secreto igual a él y en consecuencia , su agencia le pide cumplir sus misiones una vez indispuesto debido a una lesión. También, a pesar de su notable enfoque adulto, la serie derivó en diversos productos derivados cómo los cereales Pebbles (Fruity Pebbles y Cocoa Pebbles) de la compañía Post y las Flintstones Vitamins (vitaminas masticables con los rostros de los personajes de la serie), productos que se siguen vendiendo a día de hoy. Por supuesto, tampoco podemos olvidar el cómo su fórmula fué replicada varias veces por otras series, muy notablemente Los Simpson, que bién podríamos considerarla la contraparte de la Era Moderna de Los Picapiedra. Y pués, para Cartoon Network es una serie sumamente importante, siendo que Pedro fué durante los primeros años del canal su principal rostro, al menos hasta que la versión reinventada de otro personaje del estudio se volvió su mascota oficial. De cualquier modo, son Pedro y compañía los primeros rostros que se nos vienen a la mente cuándo hablamos de Hanna-Barbera.

El Show del Oso Yogui

Otro de los grandes íconos de Hanna-Barbera, el Oso Yogui tiene una vida sencilla basada en robar canastas de Picnic en el Parque Jellystone, su hogar. En ahí dónde vive diversas desventuras junto con su mejor amigo Boo-Boo, corteja a su novia la Osa Cindy y le rehuye al Guardabosques Smith, con quién mantiene una extraña amistad mezclada con antagonismo mutuo. Sus aventuras originalmente debutaron, cómo ya mencioné, en El Show de Huckleberry Hound, dónde alcanzaron tal éxito que al poco tiempo se decidió darle su propio programa. Por supuesto, Yogui no llegó sólo, ya que junto con él también se estrenarían dos nuevos segmentos; Yakky Doodle (que trata sobre el titular Yakky siendo depredado por el zorro Fibber y el caimán Alfie y siendo protegido de los mismos por su amigo; el perro Chopper) y El León Melquiades (león montés de color rosa y algo amanerado pero muy culto que trata de hacer su vida más digna y sencilla al mismo tiempo que evita al cazador Mayor Menor).

Si bién, la premisa de los tres segmentos es muy sencilla, también rebosaban de situaciones hilarantes que los volvieron icónicos y sujetos a seguir siendo revisitados durante varios años, como por ejemplo Yogui, quién desde entonces se volvió el líder de-facto de los "animales parlantes" de Hanna-Barbera, protagonizando junto con éllos más series posteriores, como El Clan de Yogui, La Carrera Espacial de Yogui, entre otros. Y cómo olvidar para cuándo pasó por el filtro del controversial John Kricfalusi. En fín, una muestra de cómo no tódo debe ser demasiado complicado para ser entretenido.

Don Gato y su Pandilla

Cómo podrán haber notado ya, Hanna-Barbera hace gran parte de ésta lista, lo que no es extraño tomando en cuenta cuenta que fueron una productora muy fructífera durante varios años y que su amplía librería es la que precisamente dió luz a Cartoon Network, así que vamos acostumbrándonos. Ahora toca el turno de mención de una pandilla muy especial. Don Gato y su Pandilla es tranquilamente una de las series más añoradas del estudio, y no es para menos, ya que aunque es verdad que ésta pandilla felina trataba de hacerse siempre la vida fácil, no es menos cierto que también erán honrados y tódos unos verdaderos camaradas. La pandilla estaba conformada por el titular Don Gato; el lider de la banda y el que siempre venía con cada plan, Benito Bodoque, mejor amigo de Don Gato y el más inocente para bién y para mal, Cucho; de acento yucateco y enamoradizo, Demóstenes; tartamudo y con una mirada adormilada, Espanto; bailarín y sumamente activo, y Panza; coqueto y "Don Juan" con varias parejas repartidas por Nueva York; lugar de residencia de la pandilla. Juntos cómo buenos compañeros se meten en distintos problemas, ya sea para ayudar a uno de sus miembros o aprovecharse de las circunstancias para sacar algo de valor fácilmente. Por supuesto, siempre está ahí el Oficial Matute para ponerlos a raya o para aguarles la fiesta.

Si bién, en su país de origen tampoco es una serie desconocida, si es definitivamente verdad que en Latinoamérica es una de las series más recordadas y queridas del estudio, en gran parte por sus protagonistas, que aún siendo estadounidenses, pertenecen a un estrato social sumamente común en el panorama latino, y considerando que varios personajes icónicos de nuestra región también provienen de ahí, se puede ver el porqué apeló tanto a nuestro público. Mención aparte su doblaje, el cuál se volvió sumamente icónico, al punto de que es visto cómo uno de los puntos fuertes de varios de los miembros de su elenco. Tanta ha sido la popularidad de éstos personajes en nuestra región que Anima Estudios de México produjo junto a Warner Bros. dos películas hechas para el público latinoamericano. No son buenas, pero son muestra de que a veces se cosecha un mayor éxito fuera de la tierra de uno.

Los Súpersonicos

La contraparte futurista de Los Picapiedra, pero no por éso su copia. A diferencia de las desventuras de Pedro (que se basaban más en las vivencias de los maridos de dos matrimonios que luego tienen hijos), la serie centrada en Súper Sónico se basaba más en la dinámica familiar de la época adaptada a un escenario futurista. Por ejemplo, Súper tenía que lidiar con su esposa Ultra, quién desde el inicio cumple más con un rol de madre que de ama de casa cómo Vilma, mientras que también tenemos a la adolescente Lucero, quién cómo cosa nada rara procura mantener una buena imagen frente a sus amigos, trata de salir con éllos y es enamoradiza, así cómo a Cometín, niño sumamente inteligente pero niño al final con las aficiones que tódo niño tiene. Junto al resto de la familia también tenemos a Robotina, la ama de llaves robot acertiva de la familia y Astro, el leal perro de la familia Sónico quién cuándo se lo propone se para en dos patas. Y cómo principal "antagonista" tenemos al Sr. Júpiter, jefe de Súper y uno muy temperamental en ése rol.

La serie guarda un dato sumamente curioso en que técnicamente es una de las series animadas más longevas, ya que si bién, su primera temporada se estrenó en 1962, la serie se mantuvo en pausa durante más de 20 años. La serie apenas reanudó su producción con una segunda temporada en 1985, y finalizó con una tercera en 1987. Por supuesto, tódos los fanáticos prefieren de lejos la primera, pero no por éso se desprecia el esfuerzo de mantener viva a la familia del futuro original. Por si fuera poco, en 1987 conocerían a los Picapiedra, en uno de los encuentros más recordados de la televisión en general. Tal vez no habrán tenido la misma popularidad que la familia de la Edad del Piedra, pero no por éso son menos recordados. Digo, toda la tecnología vista en la serie ha inspirado de alguna u otra forma la tecnología de hoy día, la cuál ya está comenzando a superar a la de la serie. Irónico, ¿no?

La Pantera Rosa

Para éste punto, uno pensaría que los cortometrajes cinematográficos animados ya habían pasado a mejor vida, pero todavía quedaba una gran estrella por debutar. En 1963, el director Blake Edwards le encargaría a Friz Freleng (uno de los directores más aclamados de los Looney Tunes) la creación de una secuencia animada para aperturar su próximo filme: La Pantera Rosa, comedia de espionaje que mostraba al Inspector Jacques Clouseau en la búsqueda del bandido que robó el diamante Pantera Rosa. La secuencia de inicio jugó con el nombre de la piedra preciosa y decidió mostrar a una pantera macho de color rosa haciendo travesuras con los créditos iniciales. La película fué un éxito taquillero y aclamada por el público, y no sólo el torpe Inspector se volvió tóda una celebridad, también lo fué la misma pantera que abrió el filme, por lo que además de recibir varias secuelas la película, el personaje animado también recibiría su propia serie de cortos.

La primera gran aventura de la Pantera Rosa sería en el galardonado corto The Pink Phink, el cuál estableció la dinámica entre nuestro mudo anti-héroe y el igualmente silencioso "Hombrecillo" (sujeto pequeño narizón y bigotón que siempre tiene un desencuentro con nuestro rosado protagonista). La popularidad del corto fué tal que ganó el Óscar a mejor corto animado, lo que terminó de cimentar al felino rosado cómo tóda una estrella animada. A partir de ahí, recibiría varias aventuras animadas que veíamos primero en la pantalla grande para luego verse en la televisión. El éxito de los cortos llegó a tal punto que el mismo Inspector Clouseau recibió su propia serie de cortos, y entre ambas series se formó el programa de El Show de la Pantera Rosa. Tal parece que no podemos ver al Inspector sin la Pantera ni viceversa. Sea cómo fuere, no hay duda de algo: apenas vemos al personaje su tema musical llega a nuestras mentes.

Jonny Quest

Después de establecerse en la industria a base de comedias, Hanna-Barbera comenzó a probar suerte con series de aventura y acción, y una de sus propuestas dentro de éste ámbito fue Jonny Quest. La serie cuenta las aventuras del titular Jonny; quién viaja al rededor del mundo viviendo aventuras de ciencia ficción junto con su padre; el Dr. Benton Quest, su tutor y guardaespaldas Race Bannon, su hermanastro de la India; Hadji Singh y su fiel perro Bandido. Sin bién, a nivel narrativo es algo básica comparado con las series animadas de acción de hoy día (algo que también podemos decir de la mayoría de las producciones de acción de ésta lista), sus aventuras llenas de suspenso y adrenalina se volverían influyentes con el pasar de los años.

Y no es para menos, siendo que su creador; el artista Doug Widley, ya tenía una basta experiencia en historietas de ésos mismos generos. El éxito y la influencia de Jonny Quest no sólo hizo que Hanna-Barbera siguiera experimentando con el género con futuras series, también dió pié  a toda una franquicia que ha tenido nuevas entregas y ha servido de influencia para series similares, más notablemente Los Hermanos Ventura de Adult Swim, dentro de la cuál los personajes de ésta misma serie han hecho acto de presencia de una manera muy deconstructiva. Cuándo se trata de pioneros de la ciencia ficción, Jonny Quest es tu chico.

El Show de la Hormiga Atómica y el Inspector Ardilla

Los tiempos de la Guerra Fría fueron tiempos de paranoia por dos motivos: la inminencia de una posible guerra nuclear entre el bloque neoliberal liderado por Estados Unidos y el bloque comunista encabezado por la Unión Soviética, y el espionaje entre los países de ambos bloques auspiciados por los gobiernos o dictaduras de turno. Es basándose en éste ambiente sociopolítico de la época que Hanna-Barbera decidió crear a dos personajes particulares y hacerlos compartir espacio. Por un lado teníamos a la Hormiga Atómica, que era una parodia de súper héroe, una literal hormiga que podía volar y tenía una fuerza de alto nivel, que siempre era contactado por la policía cuándo las fuerzas del orden no erán suficientes. Si bién, siempre se le veía haciendo ejercicios, su nombre da a entender que sus poderes podrían haber surgido de pruebas nucleares. En cualquier caso, sus rivales siempre erán otros insectos con poderes o científicos malvados.

Por el otro lado; el Inspector Ardilla era una parodia de espía secreto que sátirizaba las historias tipo James Bond o Batman en las que junto con su fiel compañero Morocco se enfrentaba a organizaciones secretas malignas, y claro, más científicos malvados. Ambos personajes se volvieron altamente populares debido a sus temas y el humor con los que los manejaban, lo que al primero le ha válido que su icónica frase ("¡Contra el mal, LA HORMIGA ATÓMICA!") siga siendo recordada y el segundo siendo revivido en los noventas con un humor más irreverente. Moraleja: el arte siempre se ve inevitablemente impregnado de la época en la que fué hecho.

El Fantasma del Espacio y Dino Boy

Tratando de crear otra serie de acción exitosa pero sin dormirse en los laureles de Jonny Quest, Hanna-Barbera hizo lo que mejor hacía: fijarse que era exitoso en aquellos tiempos. Al ver el éxito de la serie de 1966 de Batman y la fuerza que tenían los cómics de Marvel de la época, decidieron que si su siguiente serie sería de súper héroes. Fué así que el talentoso dibujante Alex Toth se encargó de crear otro éxito para el estudio. El Fantasma del Espacio y Dino Boy se compone de dos segmentos con los mismos nombres: el primero centrado en el titular Fantasma del Espacio, súper héroe espacial (con un diseño intencionalmente inspirado en el Batman de Adam West), quién se ve acompañado de sus pupilos Jane y Jace y el monito Blip, y juntos se embarcan en pelear contra la basura espacial, incluyendo villanos cómo la mantis Zorak, el hombre de lava Moltar, los hermanos Brak y Sisto, entre otros, quiénes en conjunto conforman el diabólico Consejo de la Muerte.

Por otro lado tenemos el segmento de Dino Boy en el Valle Perdido, protagonizado por Todd, un niño que tras estrellarse el avión en el que él y sus padres viajaban, termina aterrizando sólo en una locación desconocida de Sudamérica que sorprendentemente sigue siendo habitada por los dinosaurios, así cómo también por criaturas y tribus extrañas de tódo tipo. Afortunadamente, es aquí dónde conoce al cavernícola Ugh, quién después de rescatarlo de un esmilodón decide velar por él, al mismo tiempo que le pone el nombre de "Dino Boy". Ambos junto con una cría de brontosaurio llamado Bronto comienzan a sobrevivir en éste valle perdido, enfrentándose a distintos tipos de criaturas que se creían extintas o irreales. Si bién, es verdad que el Fantasma del Espacio es mayormente recordado por su versión más cómica de los 90s creada por la misma Cartoon Network, no hay que negar la originalidad detrás de su concepto y el de Dino Boy.

Birdman y el Trío Galaxia

Tras el éxito del Fantasma del Espacio, Hanna-Barbera le encargó otra súper serie a Alex Toth, quién concibió rápidamente a Birdman y el Trío Galaxia. Al igual que la serie anterior, éste programa se dividía en dos segmentos protagonizados por lo personajes titulares. Por un lado teníamos a Birdman, cuyo nombre real es Raymond Randall, y que fué bendecido por el dios del sol Ra con la habilidad de disparar rayos solares de sus puños, y proyectar escudos solares para defenderse, aunque éstos nuevos poderes sólo pueden usarse si Raymond se mantiene a la luz del sol. Eventualmente también adquiere alas que salen de su espalda, con las cuáles puede volar cuál pájaro. Ante ésto, una agencia gubernamental llamada "Seguridad Internacional" lo recluta para que dedique su vida a tiempo completo a pelear contra el crimen cómo súper héroe, tomando el manto de... "¡BIIIIRDMAN!" Cada misión es dada a nuestro héroe por Halcón 7, un agente de alto rango de la organización, y en varias de las misiones es asistido por su fiel águila Vengador y su joven pupilo Birdboy, quién posee armas y unas alas mecánicas que emulan las habilidades naturales de Birdman.

El segundo segmento nos muestra al Trío Galaxia, un grupo de héroes extraterrestres que patrullan la galaxia a bordo de su nave Cóndor I, dedicando sus vidas a aprehender a los maleantes espaciales a nombre de la Agencia Galáctica. Nuestros héroes son Vaporel del planeta Vaporis, con la habilidad de convertir su cuerpo en vapor o agua, lo que le permite volar y pasar por espacios pequeños. Tenemos también a Meteórix del planeta Meteorus, quién tiene la habilidad de hacer crecer cada parte de su cuerpo, lo que le permite tener fuerza sobrehumana. Finalmente tenemos a Gravitania, hija del rey del planeta Grávitas, por lo tanto princesa y heredera legítima del trono, y quién ha preferido dejar de lado la realeza y dedicarse a pelear junto con sus compañeros contra el mal. Tiene la habilidad de alterar la gravedad de los objetos a voluntad, lo que le permite levantar objetos pesados, y también disparar rayos gravitacionales. Si bién, también es más conocido por su reinvención cómica en los años 2000s de Adult Swim en la que es un abogado que vela por los intereses  legales de los personajes de Hanna-Barbera, la versión original de Birdman sigue siendo recordada con cariño por quiénes la vieron en su época o en sus retransmisiones por Cartoon Network y Boomerang.

Los Cuatro Fantásticos de Hanna-Barbera

Hanna-Barbera ya se había vuelto una de las casas creativas más fuertes de los 60s y cómo ya vieron, estaban apostando por crear sus propios súper héroes. Pués, en algún punto decidieron que si ya estaban en ése plan, ¿porqué no asociarse con la otra gran casa creativa de la época conocida por sus súper héroes? Producto de la colaboración entre Hanna-Barbera y Marvel Comics surge la primera serie animada de los Cuatro Fantásticos. Creados por Jack Kirby y Stan Lee; éste fantástico cuarteto ya había debutado en 1961, volviéndose una de las historietas más aclamadas de su época por darle mucha más profundidad al entonces acartonado mundo de los héroes en mallas (de hecho, el hijo de Kirby prefiere el término "súper personas") y desatando una avalancha de héroes que hoy conforman al vasto Universo Marvel, la mayoría creados por Lee, Kirby y Steve Ditko. A éso hay que sumar la dinámica entre nuestros héroes, quiénes en conjunto daban situaciones con las que los lectores (y con ésta serie los televidentes también) podían identificarse. Para éste programa, Hanna-Barbera le volvió a confiar el mando a Alex Toth, quién impregnó de su estilo a los personajes, quiénes se adaptaron con facilidad a la pantalla chica, con historias tanto originales como adaptadas de las páginas dibujadas por Kirby y escritas por Lee.

En caso de que no conozcan a la primera "familia de Marvel", éllos obtienen sus poderes luegos de chocar contra una tormenta de rayos cósmicos luego de una misión de investigación en el espacio. Al regresar a la tierra, los cuatro se dan cuenta de que han adquirido cómo consecuencia poderes inusuales. Reed Richards/el Sr. Fantástico obtiene la habilidad de estirar y moldear su cuerpo cómo goma, Susan Storm/la Mujer Invisible obtiene la habilidad de volverse invisible y formar campos telequineticos, el irreverente Johnny Storm/la Antorcha Humana (el más joven y hermano menor de Susan) puede prender su cuerpo en llamas, volar y lanzar bolas de fuego, y finalmente Ben Grimm/La Mole; quién sufre el cambio más dramático: se vuelve un hombre de piedra que tiene súper resistencia y súper fuerza, aunque al costo de no verse cómo un humano. Tras tódo ésto, los cuatro deciden comenzar a vivir en el Edificio Baxter (lugar donde se realizaban los experimentos de Reed) para ver si pueden revertirse a su forma original (especialmente Ben), y de manera fortuita se ven involucrados en peleas contra distintos villanos como el Rey de la nación ficticia de Latveria; el Dr. Doom (Dr. Muerte en el doblaje), el Hombre Topo y el devorador de planetas Galáctus (Marte en el doblaje), éste último asistido por su heraldo; el Silver Surfer (el Deslizador de Plata en el doblaje). Si quieren tener una probada del Marvel de los 60s y de cómo erán las series de acción de Hanna-Barbera de la misma época, ésta serie es la mejor opción. Cómo dato adicional; Hanna-Barbera luego produjo en 1979 una extraña adaptación de La Mole como héroe adolescente que se transforma al unir un par de anillos, sin participación alguna de los demás miembros del equipo. A veces H-B tenía ideas bién raras.

Meteoro

No tódos los clásicos 'vintage' de Cartoon Network erán series estadounidenses, también habían algunos clásicos japoneses dignos de mención. Uno de los ejemplos más claros es Meteoro, una de las series estrella del legendario estudio Tatsunoko Productions. Creado por Tatsuo Yoshida, Meteoro relata las aventuras de su personaje titular (llamado Go Mifune en la versión original), quién es un joven apasionado corredor de carreras (aunque algo temperamental) y que compite en éllas manejando el vehículo Mach 5 de la familia. Sin embargo, las carreras no son nada normales, ya que además de que las pistas son inusuales (varias veces pasando por montañas rocosas o bosques frondosos), su vehículo y el de sus contrincantes están equipados con herramientas particulares para hacerse paso por la pista, y si es necesario, sabotear a la competencia. En sus aventuras, Meteoro contará con el apoyo de su novia Trixie, su hermano Chispita y su mono mascota Chito, su padre Pops y el misterioso Corredor Enmascarado (quién en realidad es su hermano mayor Rex, quién había sido dado por muerto tras un accidente en una carrera).

Cabe destacar que la versión que llegó a nuestras tierras es nada menos que la versión estadounidense (de ahí que los nombres estén tan occidentalizados), razón por la cuál los diálogos se sienten algo acelerados en el doblaje. También, la serie es reconocida no sólo por su popularidad en su país de origen, si no también alrededor del mundo, por lo que además de una nueva versión realizada por Tatsunoko en 1997 (que también se transmitió por Cartoon Network), también contó con algunos reboots hechos en los Estados Unidos, así como con una película realizada en el 2008 por las Hermanas Wachowski. De hecho, el mismo Meteoro apareció en varios spots publicitarios de Cartoon Network interactuando con varios personajes clásicos o del canal. Éstas versiones y apariciones americanas fueron llevadas a cabo por la americana Speed Racer Enterprises, quiénes luego se meterían en aguas calientes con Tatsunoko por violar ciertos parámetros de su contrato con éllos y perderían la licencia en 2011. Sea cómo fuere, no hay duda que Meteoro es uno de los íconos japoneses por excelencia y tódo es en gran parte debido al éxito de ésta primera gran serie.

Los Banana Splits

Una de las series más inusuales de la filmografía de Hanna-Barbera, en éste programa veíamos las locas y absurdas desventuras de la banda musical titular; un cuarteto de animales antropómorficos que posiblemente erán una parodia a Los Monkees. Sus miembros erán Suingo (un sabueso que tocaba su "guitarra rítmica" y el líder de la banda), Bingo (un gorila naranja que tocaba la batería), Fletcher (un león de nariz roja que tocaba el bajo) y Gooper el mudo (un elefante peludo que tocaba el teclado y que sólo hablaba haciendo sonidos con su trompa). Sus vivencias se resumían en distintos tipos de sketches de "noticias" y distintos tipos de rutinas cómicas, aderezadas por sus rivalidades con otros grupos musicales, cómo la Uvas Agreas (un grupo de bailarinas adolescentes) y el dueto de las Hermanitas Ñoñas. De hecho, su música era real y tenían sus propios álbumes comerciales, por lo que técnicamente erán una banda virtual como Gorillaz. Sólo que había un detalle: éste programa no era animado, si no grabado con actores reales, por lo que vendría a ser el primer programa live-action emitido por Cartoon Network. Cabe mencionar que los segmentos grabados con éllos fueron dirigidos por el mismísimo Richard Donner, quién actualmente es conocido por haber dirigido la primera película de Superman con Christopher Reeve en 1978.

A pesar de ser la atracción principal, los Banana Splits no erán los únicos personajes, ya que el programa contó con cuatro segmentos que, sorpresivamente, erán tódos de acción o aventuras: La Isla del Peligro (la única otra parte también grabada por actores bajo la dirección de Donner, las otras sí erán animadas); que cuenta como el Profesor Irwin Hayden y su hija Leslie son hechos prisioneros del Capitán Barbacoa Mu-Tan y sus piratas del Índico en la isla titular al tiempo que Link Simmons (colega del Profesor) termina en la misma isla llena de peligros donde es rescatado por el náufrago Morgan y su amigo Chongo. Los Tres Mosqueteros; que adapta la historia titular en la que los tres héroes titulares (más bién cuatro); D'Artagnan, Porthos, Athos y Aramis, se embarcan en la lucha por defender al Rey Luis XIII y la Reina Anna de los seres que intentan apoderarse del trono francés. Los Caballeros Árabes; basada en los cuentos de las 1001 Noches y que cuenta las aventuras del Príncipe Turham de Bagdad, un gran acróbata cuyo trono ha sido usurpado por el cruel conquistador Bakaar el Sultán Negro, y tras huir, decide iniciar una lucha contra Bakaar y sus tropas para algún día recuperar su trono. Finalmente tenemos las Micro-Aventuras; dónde el Profesor Carter instruye a sus hijos adolescentes Jill y Mike en el conocimiento de la miniaturización, y reduciendo su tamaño exploran los suelos y valles en busca de conocimientos científicos y biológicos. Cuándo hablamos de programas de variedades, hay que ver que Los Banana Splits sí que eran precisamente variados. Y no olvidemos su canción...

Los Autos Locos y sus spin-offs

Otro de los éxitos más icónicos de Hanna-Barbera, Los Autos Locos nos ofreció una alternativa mucho más cómica con respecto a la vista en Meteoro. En ésta serie, 11 vehículos númerados del 00 al 10 compiten en carreras vehiculares en pistas inverosímiles, que incluyen bosques frondosos y montañas rocosas, y cada vehículo tenía características especiales para hacerse paso en dichos ambientes y en algunos casos, sacar ventajas inusuales a sus contrincantes. Cómo pueden ver, tenía una premisa similar a la serie japonesa, pero en lugar de suspenso y adrenalina, aquí el objetivo de las carreras era sacarnos unas buenas risas. Entre los corredores podemos contar al Barón Hans Fritz (basado en el legendario Barón Rojo) y su Stuka Rakuda, el Profesor Locovich y su Súper Convertible, los Tenebrosos y su Espantomóvil, Mafio y sus Pandilleros al frente del Antigualla Blindada, entre otros. Pero los más famosos sin duda serían Penélope Glamour y su Compact Pussycat, una corredora sumamente femenina cuyos artefactos vehiculares erán de hecho maquilladores gigantes. Y por supuesto Pierre Nodoyuna y su fiel compañero canino Patán, quiénes podríamos decir que erán los protagonistas antagónicos, ya que la mayor parte de la serie los mostraba corriendo en su Súper Perrari al mismo tiempo que trataba de sabotear directamente a los demás corredores, pero fallando espectacularmente en el intento. Mención aparte la risa de Patán, que se ha vuelto un sonido icónico en sí mismo.

El éxito de la serie fué tal que una vez finalizó su producción, se dió luz verde a dos spin-offs: Los Peligros de Penélope Glamour, el cuál mostraría a la titular Penélope en una parodia a los melodramas de suspenso en la que se muestra que ha heredado una gran fortuna, lo que hace que ahora esté al acecho de la Garra Siniestra, un enmascarado que ambiciona la fortuna de Penélope y trata de liquidarla de distintas formas. Lo que Penélope no sabe es que la Garra Siniestra es en realidad su tutor y asesor financiero Silvestre Dos Caras, que cómo dice su nombre, lleva una doble vida para hacerse pasar por un hombre de confianza que en realidad quiere apuñalar a Penélope por la espalda. El segundo spin-off fué El Escuadrón Diabólico (luego renombrado cómo Las Aventuras de Pierre Nodoyuna y Patán en sus Máquinas Voladoras en el redoblaje), protagonizado por Pierre y Patán, quiénes junto con dos nuevos personajes; Tontón y Tontín (guiense por sus nombres) forman al titular escuadrón, cuyo principal objetivo era atrapar a una paloma mensajera que llevaba mensajes secretos importantes al ejército enemigo en lo que aparenta ser la Primera Guerra Mundial, solo para fallar miserablemente en el intento (cómo siempre). Ya sea que conocieras a los personajes por cualquiera de las tres series, lo cierto es que éstos marcaron generaciones, quiénes todavía pueden escuchar a Patán y su antipática risita.

Scooby-Doo, ¿dónde estás?

El último gran éxito de Hanna-Barbera de los 60s (y el último en ser completamente original, ya que después sus poco éxitos estarían basados en IPs ajenas). Creado por Joe Ruby, Ken Spears y Iwao Takamoto; ¿que se puede decir de Scooby-Doo que no se haya dicho ya antes? Si bién, es verdad que versiones posteriores de Misterio a la Orden serían superiores en muchos aspectos (especialmente de los 90s en adelante), jamás podemos olvidar las primeras entregas con la que éstos "mocosos entrometidos y su perro" dieron sus primeros pasos cómo íconos indiscutibles de la cultura popular. No hace falta decir que éstos inolvidables personajes no necesitan presentación, ya que tódos conocemos bién las personalidades y dinámicas que hay entre Fred, Daphne, Vilma, Shaggy (cuyo nombre real es Norville) y claro, su fiel gran danés Scooby-Doo, quién es capaz de dejar sus miedos a un lado junto con Shaggy por unas buenas Scooby-Galletas. La fórmula de cada episodio es siempre la misma: nuestro jóvenes héroes llegan a algún lugar en su Máquina del Misterio, de repente ocurren cosas aparentemente paranormales, el grupo se pone manos a la obra para resolver el misterio y al final descubren que el "monstruo" es alguien quién dentro del lugar parecía ser inocuo y de confianza y que en realidad tenía segundas intenciones.

Tal vez era fórmulaica, pero de alguna manera la serie se las arreglaba para enganchar a la audiencia con el misterio de la semana. Por supuesto, con el tiempo fueron agregados elementos para hacer más interesantes los misterios, cómo en la tercera serie; Las Nuevas Películas de Scooby-Doo, dónde en cada episodio Misterio a la Orden se encontraba con otro grupo de personajes famosos y juntos resolvían el misterio. Entre los invitados más notables podemos mencionar a Batman y Robin (con quiénes se seguirían encontrando varias veces a lo largo de los años), Los Locos Addams, El Gordo y el Flaco (Laurel y Hardy), Josie y sus Gatimelódicas, El Súper Veloz Buggy-Buggy y Los Tres Chiflados, entre otros (curiosamente, tódos obtendrían series propias realizadas por Hanna-Barbera). Incluso existe el rumor apócrifo de que se trató de hacer un encuentro con la pandilla de Lupin III. Más adelante trataron de seguir variando la fórmula con la adición de Scrappy-Doo (aspecto del cuál la franquicia se avergüenza abiertamente) y hasta en un punto se hicieron a los monstruos reales. De cualquier forma, Scooby y compañía se han mantenido activos desde 1969, y es bastante probable que sigan con nosotros muchos años más.

Josie y sus Gatimelódicas

Cómo ya mencioné, a partir de los 70s y hasta inicios de los 90s, Hanna-Barbera pasaría por su etapa más decadente creativamente hablando, durante la cuál se engancharían de las tendencias de la industria y hasta se imitarían a sí mismos. Sus series más notables en ésta etapa estarían basadas en propiedades de terceros, siendo una de éstas Josie y sus Gatimelódicas. Basada en el cómic del mismo nombre de Dan DeCarlo para la Archie Comics, cuenta las desventuras de la banda titular, liderada por Josie (guitarrista y voz principal), y quién es acompañada por sus amigas Valeria (cerebro del trío, panderetista y voz secundaria) y Melodía (despistada y baterista). Junto con éllas se encuentran su timido mánager Alejandro Cabott III, su engreída hermana Alejandra y el fuerte Alan, quién hace las de ayudante y cargador del equipamiento musical de la banda, así cómo el gato Sebastián; mascota del grupo. Al igual que Los Banana Splits, las Gatimelódicas tenían sus propias canciones y sacaron álbumes comerciales reales, por lo que también son una banda virtual.

Curiosamente, en el cómic original de Archie, las desventuras de Josie y compañía generalmente sólo trataban situaciones de la vida adolescente bajo una luz humorística. En cambio, en ésta serie la banda y sus compañeros se  la pasan viajando a distintas partes de Estados Unidos y el mundo dando conciertos, pero a dónde llegan se encuentran con situaciones y misterios inverosímiles y se ven obligadas moralmente a solucionar la situación, dando paso a situaciones cómicas. En otras palabras, Hanna-Barbera tomó a los personajes del cómic y aplicó la fórmula de Los Banana Splits y Scooby-Doo al mismo tiempo (aunque los misterios de las Gatimelódicas se mantenían dentro de los parámetros de la realidad). Luego de dos temporadas, la serie se reinventó de manera inusual con una segunda serie titulada Josie y sus Gatimelódicas en el Espacio, que cómo bién dice el título, manda a tódo el elenco de la serie al espacio exterior, con nuestros héroes tratando de regresar a la tierra tras un accidente causado por Alejandra que las manda fuera del planeta. Ahora, en cada episodio deben arreglárselas no sólo para volver a su hogar, también el escapar de distintas razas alienígenas que pretenden secuestrarlos, aunque ahora también cuentan con la compañía de Bleep, un pequeño extraterrestre amigable que técnicamente hace las de segunda mascota. Y claro, siempre está su música de por medio. Cabe mencionar que las retransmisiones de la serie en Cartoon Network reavivaron el interés por los personajes, lo que no sólo resultó en que el canal les dedicaría un vídeo musical de sus Cartoon Network Groovies, también obtuvieron un largometraje live-action en 2001, aunque éste filme sería más una comedia satírica auto-paródica de lo que vimos en la primera serie.

Los Súper Amigos

Luego de trabajar con Marvel para la mencionadas series de Los Cuatro Fantásticos y La Mole, Hanna-Barbera decidiría voltear la mirada a la "Distinguida Competencia". Los Súper Amigos sería una de las series más longevas del estudio, abarcando siete entregas producidas entre 1973 y 1986. En éstas series veríamos a una de las versiones más recordadas de la Liga de la Justicia, en las cuáles nuestros héroes (a veces juntos, a veces divididos en equipos) se enfrentarían a las fuerzas unidas de sus malévolos némesis, quiénes en conjunto formarían a la Legión del Mal. Cada episodio estaba protagonizado por héroes diferentes enfrentándose a villanos diferentes. Pero no lo harían por su cuenta, ya que siempre contarían con la asesoría de otros héroes, quiénes desde el Salón de la Justicia llevarían a cabo planes y estrategias para así salvar el día en cada episodio. Ésta saga es famosa por haber sido de las primeras adaptaciones en reunir a los héroes de DC cómo tódo un equipo, y ayudó a popularizar la imagen de la editorial como la casa creadora de los Súper Amigos. Graciosamente, el equipo se sigue llamando "Liga de la Justicia" dentro de la serie, con "Súper Amigos" siendo sólo el título del programa. Al igual que las anteriores series de acción, los diseños los llevó a cabo Alex Toth, quién además creó a la mayoría de los héroes originales de éstas series.

Por supuesto, la serie también ayudó a popularizar a otros héroes de la editorial fuera de los ya conocidos Superman, Batman, Robin y la Mujer Maravilla. Fué con éstas series que personajes como Flash, Linterna Verde y especialmente Aquaman se volvieron íconos de la cultura popular. La serie también fué el debut de otros personajes que se volverían populares por sí mismos y sinónimo con la franquicia, siendo los más notables sin duda Zan y Jayna, los Gemelos Fantásticos, quiénes al juntar sus anillos y exclamar "¡Poderes de los Gemelos Fantásticos, actívense!" se convertirían en agua (en cualquiera de sus formas) y un animal (incluyendo criaturas prehistóricas) respectivamente. De hecho, la popularidad de la serie fué tal que hoy día sigue siendo una de las versiones más populares de la Liga de la Justicia. Por supuesto, así cómo no hay mal que por bién no venga, también ocurre al revés, ya que los Súper Amigos tienden a ser la versión más sátirizada de los personajes, ésto debido a su naturaleza exagerada y un tanto cursi, con los mismos Gemelos Fantásticos y Aquaman siendo los más afectados (a éste último le costó décadas quitarse la estigmatización de ésta serie). Hasta la misma Cartoon Network en sus comerciales tendía a satirizar a nuestros héroes, con cortos que iban desde interactuar con las Chicas Súperpoderosas y Ben 10, hasta El Show de Aquaman y sus Amigos, cortos dedicados a parodiar a Aquaman y la Legión del Mal. Aún así, fué gracias a ésta serie que el público conoció verdaderamente a la Liga de la Justicia, y muy probablemente varios de ustedes son fanáticos de los héroes de DC gracias a los Súper Amigos.

El Chavo del Ocho y El Chapulín Colorado

Los programas Número 1 de la televisión humorística también pasaron por las pantallas de Cartoon Network. Dado al hecho de que son series hermanas (y lo particular de su emisión), estás ocuparán el mismo puesto. Para éste punto, tódos nos familiarizamos con las desventuras satíricas del Chavo, aquel niño pobre que se esconde en un barril de una vecindad de México y que vive en el departamento Número 8, que pasa sus días interactuando con un elenco de personajes que son un híbrido perfecto entre el realismo y la caricatura. Digo, tódos hemos conocido a un Don Ramón sorteando su suerte con múltiples trabajos, una Doña Florinda antipática y clasista con la que lidiamos a la fuerza, un Quico presumido que a veces es buen amigo y otras veces un egoísta, y una Chilindrina que por más traviesa que sea no deja de tener un lado sensible, entre otros icónicos personajes. Y por supuesto, tódos recordamos al Chapulín Colorado, aquel súper héroe cuyo escudo es un corazón (metafórica y literalmente), y que a pesar de su torpeza, se las arreglaba para siempre derrotar a los bandidos de turno, que podían oscilar entre el hampa común, la mafia, piratas, pistoleros en el Viejo Oeste, científicos locos y hasta el nefasto Adolf Hitler, siempre mezclando en cada aventura el humor con algo de suspenso. Ambas series son sencillamente los productos televisivos más conocidos de la televisión latinoamericana, y no es para menos, ya que la mayor parte de su humor ha envejecido cómo el buén vino y la mayoría de las situaciones siguen siendo identificables para el público de tódo el mundo, siendo que además rompieron la barrera del idioma y se han emitido con mucho éxito en Brasil e Italia.

Parte del éxito de ambos programas se debe no sólo a los excelentes guiones de Roberto Gómez Bolaños (popularmente conocido como Chespirito), si no también al excelente elenco de actores y actrices multifacéticos (cuyos nombres nos sabemos de memoria) que podían interpretar a 1001 personajes diferentes con éxito, pero siempre impregnando su característica esencia en cada uno. Ésto es especialmente notable en El Chavo, dónde inicialmente el que los personajes niños fuesen interpretados por adultos era parte del humor visto en pantalla, pero la actuación era tan convincente que sencillamente se le prestaba más atención a los diálogos que al aspecto de los personajes. Desde sus inicios, ambas series y sus elencos cosecharon distintos tipos de distinciones y elogios. Ahora, al igual que con el Pájaro Loco, la emisión de ambos programas fué bastante después de que el canal emitiera clásicos en su programación, llegando a la señal latina de CN a inicios de los 2010s. Aún así, el hecho de que se emitieran junto con otros clásicos (cómo Tom y Jerry, los Looney Tunes y Scooby-Doo) y gracias a la naturaleza caricaturesca y pintoresca de sus personajes, su presencia en el canal paso casi desapercibida, sin llegarse a sentir extraños dentro de la programación a pesar de no ser animación (aunque en sus últimas temporadas tenían intros y endings con animación stop-motion).

Los Pitufos

Corría 1958 cuándo el historietista Pierre Culliford, popularmente conocido como Peyo, gozaba de mucho éxito en su natal Bélgica con su historieta de aventuras medievales Johan y Pirluit, que contaba las aventuras de los personajes titulares; un sirviente mensajero de un Reino Europeo (cuyo nombre jamás fué mencionado) y su fiel pero problemático amigo y patiño respectivamente. Ése año pública una historia titulada "La Flauta de seis hoyos". En un punto determinado de la historia, nuestros héroes se encuentran con unas curiosas criaturas de piel azul y ropaje blanco con personalidades unidimensionales diferentes, cuyo patriarca se caracteriza por su atuendo rojo y barba blanca. Éstas criaturas se hacían llamar "pitufos", y nadie, ni siquiera el mismo Peyo se imaginó lo populares que se volverían. Los Pitufos se volvieron una sensación de la noche a la mañana tanto en Bélgica cómo en el resto de Europa, obteniendo no sólo sus propias historietas, si no también su propia mercancía. Por supuesto, las adaptaciones animadas no se hicieron esperar, cómo diez cortometrajes televisivos realizados entre 1961 y 1967 (con los primeros cinco recopilados en una película titulada Las Aventuras de los Pitufos lanzada en 1965) y la película Los Pitufos y la Flauta Mágica de 1976 (adaptación de su primera aparición). Sin embargo, no fué hasta que Hanna-Barbera se percató de su existencia y realizó la serie de 1981 que se volvieron un fenómeno global.

La serie, al igual que las historietas, relatan las aventuras de los titulares Pitufos, criaturas mágicas que viven en un pequeño pueblo miniatura de un bosque, en el cuál las situaciones se desatan en parte por las fuertes personalidades de cada uno. De hecho, sus personalidades están en sus nombres; como Pitufo Gruñón, Pitufo Fortachón, Pitufo Vanidoso, Perezoso, Goloso, Granjero, Genio, Bromista, Pintor, Poeta y pare usted de contar. Aunque hay otros un poco menos obvios, cómo Pitufo Filósofo (el cerebro de la aldea) y Pitufo Armonía (el músico). El patriarca de la raza pitufo es Papá Pitufo, que cómo ya mencionamos, viste de rojo y porta barba blanca. Es benevolente y cuida de los demás pitufos cómo si fuesen sus hijos (de ahí su nombre). También está Pitufina; la única pitufo hembra, cuyo origen está conectado al brujo Gargamel, quién trata (junto a su gato Azrael) de atrapar a los Pitufos debido a que sus propiedades mágicas lo harían convertirse en el más grande y poderoso brujo de tódos los tiempos. En uno de sus planes, crea a Pitufina con el objetivo de atraer a los demás pitufos, quiénes jamás habían conocido un miembro hembra de su especie, aunque al final élla se rebela ante Gargamel y se une a la aldea como una hija más. Con élla son 105 pitufos. La serie fué un éxito rotundo para Hanna-Barbera, que no sólo llevó el "pitufi-fenómeno" hacía fuera de Europa, si no que además fué durante mucho tiempo una de las series animadas más longevas de tódos los tiempos, transmitiendose durante ocho años entre 1981 y 1989 para un total 258 divididos entre nueve temporadas. Al parecer fueron Hanna y Barbera quiénes le ganaron a Gargamel en éso de exprimir la magia de los Pitufos...

Voltron: Defensor del Universo

Otra serie japonesa que se une a ésta lista es Voltron, aunque sí es necesario aclarar que no es tan japonesa cómo parece ser. Dejen que me explique. A inicios de los 80s, Toei Animation produjo dos series de robots gigantes combinables (mechas); Beast King GoLion y Armored Fleet Dairugger XV, las cuáles llamaron mucho la atención de la productora World Events Productions (en realidad la serie que les llamó la atención en lugar de GoLion fué Future Robot Daltanious, otra serie mecha con temática de leonés, pero las barreras de la comunicación hicieron que Toei les pasaran GoLion, la cuál les gustó más). World Events decidió que en lugar de doblar ambas series, crearía algo completamente nuevo en base al material que tenían, y editando de manera cuidadosa el metraje de GoLion y cambiando partes de la historia de manera estratégica es que nace Voltron: Defensor del Universo. La primera temporada adaptó GoLion y trata sobre cómo cinco pilotos navegan cinco leones robots de distintos colores que cuándo se combinan forman al legendario Voltron, con el objetivo de proteger al planeta Arus del déspota e imperialista Rey Zarkon, quién con la ayuda de la bruja Haggar crea criaturas llamadas Robo-bestias para aterrorizar al planeta. Éstos cinco jóvenes son Keith Kogane (líder y piloto del león negro), Lance McClain (segundo al mando y piloto del león rojo), Darell "Pidge" Stoker (el más joven y piloto del león verde), Hunk Garrett (el fuerte del grupo y piloto del león amarillo) y la Princesa Allura (soberana de-facto del planeta Arus y piloto del león azul en sustitución de Sven Holgersson, quién tras quedar mal herido tras los hechos del episodio 6, da un paso atrás en bién del equipo). Ésta etapa es llamada retroactivamente como "Voltron Leones".

Para la segunda temporada, se decide adaptar Dairugger XV, y trata sobre cómo en otra parte del universo, los planetas de la Alianza Galáctica (aludida varias veces en la primera temporada) comienzan a verse sobrepoblados debido al desplazamiento forzado producto de varios conflictos (cómo los hechos de la temporada anterior), lo que los pone en conflicto con el Imperio Drule. En consecuencia, nuestros nuevos héroes se dividen entre tres equipos con misiones particulares y areas de experticia entre sí. Cada escuadrón posee cinco vehículos que, combinados tódos entre sí forman un robot guerrero gigante; un nuevo Voltron. Los equipos de cinco integrantes cada uno se dividen en Aire (Jeff, Rocky, Wolon, Chip y Ginger), Mar (Krik, Lisa, Tangor, Shannon y Zandee) y Tierra (Clif, Cinda, Modok, Marvin y Hutch). Ésta etapa es conocida como "Voltron Vehículos". Para la tercera temporada se planeó adaptar Arbegas: El Rayo Custodio, pero dada la inmensa popularidad de Voltron Leones, se decidió crear en colaboración con Toei metraje completamente nuevo para darle continuidad a la primera temporada. La serie luego finalizaría con el telefilme Voltron: La Flota de la Muerte, la cuál también se realizó con metraje 100% nuevo de parte de Toei, y muestra a los dos Voltron uniendo fuerzas contra la amenaza combinada del Rey Zarkon con el Imperio Drule. Desde entonces, y al igual que Power Rangers o Robotech, Voltron se ha vuelto una franquicia independiente de sus originales japoneses, con distintas series estadounidenses siendo realizadas con el pasar de los años. Aunque por supuesto, tódo comenzó aquí, con el Defensor del Universo original.

ThunderCats: Los Felinos Cósmicos

¿Más gatos? Pués sí. Fácilmente una de las series más recordadas de la década de los 80s. Creada por el inventor dominicano Ted Wolf y producida por el estudio Rankin/Bass (responsable de varios especiales de Navidad famosos) y Leisure Concepts (la cuál seguramente varios de ustedes recuerdan por su segundo nombre; 4Kids) y animada en Japón por el estudio Pacific Animation, ésta serie cuenta las aventuras del equipo titular, un grupo de felinos humanoides que actualmente se encuentran en un planeta llamado "Tercera Tierra", luego de que su planeta natal Thundera se volviese inhabitable por la destrucción de los mutantes del planeta Plun-Darr. En la Tercera Tierra, nuestros protagonistas tendrán que pelear para subsistir no sólo contra los mutantes, si no también contra el diabólico Mumm-Ra, sirviente de los Antiguos Espíritus del Mal que tratarán de esparcir su influencia oscura en toda la Tercera Tierra. Nuestros héroes son el líder León-O, heredero del título de "Amo y Señor de los ThunderCats" y que además porta la legendaria espada de Augurio (tras la cuál están los mutantes), Tigro, el arquitecto y científico del equipo, Cheetara, guerrera hábil y valiente pero también la que posee más empatía, Panthro, el más fuerte y encima el piloto del grupo, y los gemelos Felino y Felina, revoltosos pero hábiles y que a pesar de ser mayores que León-O son mucho más bajos, lo que sumado a su inmadurez hace que sus compañeros les llamen "ThunderCachorros". Junto a éllos está Snarf, una criatura vieja con apariencia de gato menos humano que cuidó de León-O en su juventud y que ahora se comunica con los animales de la Tercera Tierra, lo que ayuda al equipo en varios episodios.

Cómo ya mencioné, la serie fué una de las más populares de la década de los 80s, en gran parte debido a su enfoque juguetero, lo que convirtió a los ThunderCats en uno de los equipos más populares de la cultura popular. Durando un total de 130 episodios divididos entre cuatro temporadas (más un telefilme que sirvió de puente entre las primeras dos), la serie se transmitió entre 1985 y 1989. Básicamente, si viviste en aquellos años, es muy probable que mínimo conozcas el legendario grito de "¡ThunderCats, OHHH!" y el emblema del equipo. Si bién, al igual que con los Súper Amigos, la escritura de la serie se puede sentir sumamente cursi para los estándares actuales (con las tramas de algunos episodios rozando el ridículo), la serie tocó de manera leve pero notable temas cómo el desplazamiento forzoso y el genocidio, por lo que podríamos considerar que fué justa para su tiempo. Éso no quita que varias aventuras fueran emocionantes, especialmente para las audiencias de la época. Actualmente la IP es propiedad de Warner Bros. (al igual que la serie en sí misma) y aunque ha tratado de ser revivida en un par de ocasiones, no se ha logrado replicar el éxito de la serie original de los 80s.

Fuerza G: Guardianes del Espacio

Finalmente, y ya para terminar, tenemos otro anime de antaño (y uno de pájaros de hecho), que al igual que Meteoro y Voltron, llegó bajo el filtro norteamericano. Fuerza G: Guardianes del Espacio es una adaptación estadounidense de la serie Science Ninja Team Gatchaman de 1972 creada por Tatsuo Yoshida (otra de las series más populares de Tatsunoko, el mismo estudio de Meteoro), la cuál fué realizada por Sandy Frank Entertainment en conjunto con Turner Entertainment en 1986. Curiosamente, ésta viene a ser la segunda adaptación de Gatchaman realizada por Sandy Frank, luego de su primer intento en 1978 con Guerra entre Planetas. Mientras que la primera adaptación se tomó muchísimas libertades creativas para adaptar la serie a un tono más parecido al de Star Wars (incluyendo cambios de diálogo drásticos y nuevas secuencias animadas), en Fuerza G vemos una adaptación más fiel de Gatchaman que se mantiene acorde al tono del original (traduciendo directamente los guiones sin cambiar el metraje). También, mientras que Guerra entre Planetas edita mucho el contenido de la serie por violencia y cambia el orden de los episodios, Fuerza G sólo suavizó un poco el contenido y el orden de los episodios es el mismo que en Gatchaman. Aún así, ambas series sólo adaptan 85 de los 105 episodios de la original japonesa, aunque debido al tema del orden de los episodios, hay varios capítulos de uno que no aparecen en el otro y viceversa. Graciosamente, mientras que Guerra entre Planetas fué sumamente popular en el mundo anglosajón, Fuerza G es actualmente más conocida en otras partes del mundo, incluyendo Latinoamérica.

Pero en fín, pasando a la historia (que cómo dije, es más fiel a Gatchaman), Fuerza G trata sobre cómo cinco jóvenes guerreros mentorados por el Dr. Mente Brillante (Kozaburo Nambu) se encargan de defender la tierra de la amenaza de Galáctor y sus invasores del espacio, quiénes tratarán de apoderarse de los recursos del planeta Tierra, tales cómo el agua, el petróleo, el azúcar y el mercurio. Nuestros héroes son As el Halcón (nuestro tenaz líder, que en la versión original es el Águila), Dirk el Águila (el meticuloso segundo al mando, que en la versión original es el Cóndor), Agatha la Cisne (hábil y la única chica del equipo), Avecilla el Esmerejón (el más intrépido y joven al mismo tiempo) y Autillo el Búho (el más fuerte pero también el más calmado). La serie se caracteriza por sus mensajes en pro de la conservación medioambiental del planeta (mensajes que cada día cobran más y más fuerza), así cómo el uso consiente y responsable de la tecnología y su constante evolución. Tanta ha sido la popularidad de la serie (tanto de Fuerza G cómo de Gatchaman y Guerra entre Planetas) que dos secuelas fueron realizadas; Gatchaman II y Gatchaman Fighters (ambas combinadas en los años 90s por Saban Entertainment para crear Eagle Riders) y se ha intentado adaptar la historia a la pantalla grande, tanto en animación cómo con actores reales, aunque ningún proyecto ha logrado materializarse. También, As, Dirk y Agatha (bajo sus nombres originales de Ken, Joe y Jun) fueron los máximos representantes de Tatsunoko en el videojuego Tatsunoko vs Capcom: Ultimate All-Stars. ¿Volveremos a ver a la Fuerza G algún día? Tal vez, pero hasta entonces, no queda más que esperar.

Menciones honoríficas

Y así terminamos la lista, pero no vamos a cerrar sin antes mencionar a otros importantes clásicos que también pasaron por las pantallas de Cartoon Network. Todos los títulos mencionados aquí abajo estuvieron muy cerca de aparecer en la lista, pero aquí se decidió priorizar la variedad y la notabilidad. Aún así, nos damos la molestia de mencionarlos para que sepan que no los olvidamos y que estuvieron presentes al momento de redactar la lista. Esperen ver ésta misma lista en las próximas entregas (resulta que 30 no es un número tan grande para cinco listas).

-Gasparín, el Fantasma Amistoso (cortos cinematográficos)

-El Show de Ruff y Reddy

-El Show de Mr. Magoo

-El Lagarto Juancho

-El Show de Maguila Gorila

-El Show de Pepe Pótamo

-Hérculoides

-El Súper Veloz Buggy-Buggy

-Hong Kong Phooey

-Simiolón y Listolín

-El Inspector Risistas

-Dinamita, el Perro Maravilla

-El Capitán Cavernícola y los Ángeles Adolescentes

-Mandibulín

-Las Olimpiadas de la Risa

-Godzilla de Hanna-Barbera

-Ricky Ricón

-El Hombre Plástico

-Thundarr, el Bárbaro

-Pac-Man de Hanna-Barbera

-Alvin y las Ardillas de 1983

-El Desafío de los GoBots

-Los Verdaderos Cazafantasmas

-Beetlejuice: La Serie Animada

¡Y lo que falta por ver!

Y así termina éste primer sendero de los recuerdos. Estén atentos, ya que en las próximas semanas encontrarán más listas de series transmitidas que valen la pena recordar. Series que no eran de Cartoon Network, animes inolvidables, las series de Warner Bros. más notables y claro, las series originales realizadas directamente por el canal. ¡No se lo pierdan! Pero por ahora, recordemos a los clásicos que CN tuvo el honor de tener en su programación, ¿o fueron los clásicos los que tuvieron el privilegio de pasar por CN? Saquen sus propias conclusiones.

¡Éste cuento se acabó!